jueves, 20 de noviembre de 2014

HDR con Photoshop CS5


Las mejores canciones nacionales 1999-2014 según los lectores de la revista Rolling Stones creo que es una buena lista para inspirarte en hacer un buen HDR:



HDR (del inglés High Dynamic Range) o alto rango dinámico es, en fotografía, una técnica que usamos para conseguir imágenes cuyo resultado se asemeja a la visión que tiene el ojo humano en cuanto a luminancias.

Dado un momento en el que tenemos un contraluz o un contraste de luces muy fuerte el fotógrafo está muy limitado, o saca expone bien las sombras o las luces. Las imágenes de alto rango dinámico son una solución, aunque también limitada, para este pequeño problema. Tomamos diferentes exposiciones de una misma escena y luego las procesamos con algún programa, en nuestro caso el Phtoshop CS5. El resultado es una foto en el que tanto la sombras como las luces están bien expuestas.

En cuanto a la toma se puede conseguir de dos formas. O bien de forma manual haciendo todas las exposiciones que queramos o bien mediante el AEB (del inglés Automatic Expositure Bracketing) o horquillado automático de la exposición que es la que voy a explicar.

Para Canon lo podemos encontrar en esta parte de nuestro menú:


Si no tenemos activado el disparo en ráfaga no podremos activar esta opción. La cámara tomará tres exposiciones diferente, la primera será la exposición correcta, luego subexpondrá tantos puntos como le hayamos marcado nosotros, desde 1/3 de EV hasta 2 puntos de EV y finalmente, la tercera, la sobreexpondrá en la misma medida. En el caso de la imágen 1 punto de EV.

Yo voy a trabajar con estás tres imágenes:




Abrimos Photoshop y vamos a donde se ve en la imagen:


Aparecerá el siguiente cuadro de diálogo, le damos al botón browse (supongo que en castellano pondrá buscar, abrir, cargar, seleccionar archivos...) seleccionamos las imágenes las cargamos y le damos a ok.


Después de desplegar las fotos como capas y todo el proceso que hace Photoshop, os devolverá una imagen en un cuadro diálogo en el que podéis hacer unos cuantos retoques básicos. Toquetear y experimentar y cuando tengáis algo que os gusta le dais a ok. 


A mi me sacó esta foto en la que ya se nota que ha seleccionado la mejor exposición para cada zona de la foto:


Con un poco más de tiempo, un poco mucho, y algunos conocimientos en Photoshop este fue mi resultado final:


sábado, 15 de noviembre de 2014

Time-Lapse

Si tienes Spotify te aconsejo esta canción mientras lees:





Gracias a un Time-Lapse podemos ver en varios segundos algo que acontece en un espacio largo de tiempo. Como crece o se abre una flor, un atardecer, un amanecer, como se derrite un hielo, como se consume una vela o un cigarrillo.... Todo depende de nuestro equipo y paciencia básicamente.

Se puede obtener mediante cámara de fotos o mediante cámara de vídeo, la diferencia más importante es que la resolución que nos da una cámara de fotos será siempre mejor que la de vídeo y por lo tanto el resultado nos llenará mucho más visualmente hablando. Ya que esto es un blog de fotografía, es obvio cual voy a explicar.

¿Qué es un Time-Lapse?


Un vídeo resultante de usar nuestras fotografías como fotogramas. Tomamos muchísimas fotografías en un mismo encuadre y después las montamos con un programa de edición de vídeo.

¿Qué necesitamos?


Es indispensable nuestra cámara, un trípode(siempre que no quieras dejar tú cámara de no se cuantos cientos o miles de euros apoyada en cualquier sitio con el consiguiente peligro de perder el encuadre o lo que es pero, cargarte la cámara.), un disparador remoto con intervalómetro (si tú cámara no lo tiene), tiempo y paciencia o una distracción.

Además, si tienes una montura mecánica puedes hacer que tu Time-Lapse no sea estático, aunque esto lo podemos conseguir también en postproducción con el programa de edición y sin demasiado miedo en perder detalle de la imagen al recortar encuadre gracias a que lo estamos haciendo con cámara de fotos.

Una buena tarjeta de memoria rápida y de mucha capacidad ayudará mucho. Es difícil que tengas problemas de buffer en la cámara debido a que las fotografías, a pesar de ser una "ráfaga", las tomamos con un espacio de tiempo más que prudencial entre una y otra, aún así te lo comento porque puedes estar tomando las fotos y que te pite el buffer, a mi me ha pasado, pero las ha seguido haciendo.

¿Qué debemos tener en cuenta?


Dependiendo de lo que vas a capturar, piensa en los agentes externos que afectarán a la toma. Luz variable, luz constante, interior con luz artificial, exterior despejado o con algunas nubes, etc. No es lo mismo capturar el movimiento de persona que el de las nubes, el del sol o el de las estrellas. Como ves hay casi tantas cosas a tener en cuenta como motivos y sus condiciones. Entonces..

¿Qué hacemos antes de la captura?


Piensa en todo lo que he comentado en la pregunta anterior y en lo que me he dejado por comentar, piensa en lo que va a durar el evento que vas a capturar y haz cálculos de cuántas fotos te van a hacer falta teniendo en cuenta cada cuanto vas a tomarlas y lo que dura el evento para ver si tienes suficiente memoria en la tarjeta, comprueba la batería, la pila del disparador.

Ve con tiempo para inspeccionar la zona, preparar tú cámara, buscar un buen encuadre, no olvides fijar bien el trípode para no perder ese buen encuadre que tanto te ha costado decidir,

Llego el momento de la captura.. ¿Y ahora qué?


Si has ido pensando en todo lo que he dicho tendrás algunas dudas que espero solucionar. Hay muchas opiniones sobre todo esto y yo te daré la mía: usa tu lógica teniendo en cuenta las condiciones de tu evento y pensando también en como quieres que quede tu resultado.

-Sobre el modo de disparo:


Luz variable, 
Pese a la manía que le tienen algunos a los modos automáticos o semiautomáticos, me parecen una muy buena opción en luz variable y más cuando estamos hablando de disparar cada pocos segundos de separación entre foto y foto.
Leí la opción de "prioridad a la apertura", calculas la apertura para que el plano que quieras de tu fotografía esté bien enfocado y dejas que la cámara juegue con los demás valores para tener una exposición correcta. Me parece la mejor opción sin dejar de tener en cuenta las prestaciones de tu cámara o las condiciones de luz. ¿Qué quiero decir? Pues es posible que si cierras mucho el diafragma en algún momento tú cámara te pida velocidades muy bajas y algunas de las fotos salgan trepidadas. A lo mejor te conviene usar el, tan odiado para algunos, modo P de pardillo.

Luz constante,
¡Ah amigo! si controlas la luz eres el dios de la fotografía. O no la controlas pero tienes un maravilloso día soleado, despejado y tu evento va a transcurrir dentro de un horario en el que la variación de la luz no va a ser casi perceptible. Pues si eres el dios de la luz, lo eres aún más de tu cámara, modo manual para dejar la cámara configurada a tu gusto y a empezar.

-Sobre el formato:

Dispara en RAW, dispara en RAW, dispara en RAW, dispara en RAW, dispara en RAW, ¿no estás un poco cansado de escuchar esto? No digo que no tengan razón pero hay que ser un poco más flexible ¿Vas a editar una por una los cientos o miles de fotos de tu Time-Lapse? ¿El programa de edición de vídeo soporta este formato? ¿Tienes espacio en tu tarjeta de memoria para tantas fotos en formato RAW? ¿El buffer de tu cámara y la propia tarjeta tienen la capacidad para trabajar con esa cantidad de datos cada pocos segundos? Aunque la respuesta a la última pregunta sea que sí, creo que es mejor, en este caso, disparar en JPG.

-Sobre el enfoque:


Si vas usar la opción de disparar en modo "prioridad a la apertura" pon el enfoque manual, para algo has configurado tu punto de enfoque y tu plano enfocado. Si lo dejas automático cada fotografía tendrá un plano diferente enfocado, por la misma razón desaconsejo el autoenfoque aunque dispares en cualquier otro modo.

-Sobre la ISO:


Creo que es un valor que no debe preocuparte demasiado porque aunque lo dejes automático, las cámaras no disparan más allá de un valor máximo que está preestablecido y no saldrá un ruido tan molesto como para estropearnos el trabajo, aún así es algo que también debemos de revisar y pensar en ello.

-Tiempo entre fotografías:


La velocidad del movimiento de los elementos de nuestro Time-Lapse es directamente proporcional al tiempo entre nuestra fotos, es decir, cuanto más rápido se muevan nuestros elementos menos segundos debes dejar pasar entre foto y foto. Así pues os dejo valores desde los que partir pero como siempre lo mejor es que practiquéis y saquéis vuestras propias conclusiones.

Para personas andando entre 3 y 5 segundos entre fotos.
Para nubes entres 5 y 10 segundos entre fotos.
Para el sol de 10 a 30 segundos.
Para las estrellas podéis poner 30 segundos o más perfectamente.

Si tenéis elementos que se mueven mas rápido y otros que se mueven más despacio en el mismo encuadre a mi me parece lo más lógico calcular para los que se mueven más rápido.

Una pequeña conclusión:


Es posible que quieras hacer un Time-Lapse de un atardecer, pero quieres que la imagen se oscurezca según vaya cayendo el sol, en ese caso deberías usar el modo manual y dejar tus valores fijos para toda la toma. Esto es un ejemplo para decir que yo tengo una opinión basada en mi experiencia y en mi lógica, pero no es una verdad absoluta, tú eres el dueño de tu idea y tu sabes lo que quieres hacer, toma la información que encuentres y úsala para crear tu proyecto, practica y suerte.

Os dejo con tres ejemplos míos, son de poca resolución porque mis conocimientos de vídeo son escasos y tengo que acabar muriendo en un programa de edición intuitivo y cutre salchichero, aunque ya estoy intentando domesticar la bestia salvaje del Premiere Pro... espero en breves poder mejorar los resultados mucho más.

50 capturas de 30'' de exposición cada una para un vídeo de 5 segundo que demuestra el movimiento de rotación de la tierra :)

video

Un atardecer en la albufera. Enfoque manual, modo de disparo P de pardillo, ISO automática y un audio de risa :)


Un  partido de fútbol de muy pequeños, ellos, junto con los entrenadores y el arbitro corren en manada detrás de la pelota. Enfoque manual y modo de disparo M de megacrack, ISO100.


Un cruce cualquiera que bien podría ser el inicio de un vídeoclip.


sábado, 10 de noviembre de 2012

Light Painting



Con esta técnica, buenas ideas y de forma muy sencilla se pueden hacer fotos muy atractivas. Consiste en abrir nuestro obturador y dibujar con luz, es decir, en exposiciones largas, yo creo que de al menos de 5 segundos para que nos de tiempo a hacer algo con sentido, cogemos una linterna o cualquier luz que tengamos y dibujamos. Si tenéis maña para dibujar en el aire, para que salga algo bonito podría ser suficiente con que en un cuarto oscuro desatéis el artista que lleváis dentro. Si no se os da tan bien, buscad ejemplos, empapaos de fotos y encontrad vuestra propia idea inspirados en las de lo demás. Obviamente si sólo conociendo la técnica y con un poco de inspiración hacéis algo original pues mucho mejor.






Lógicamente, al tratarse de exposiciones largas vais a necesitar momentos oscuros, sin mucha o sin ninguna luz. La noche será vuestra aliada esta vez. Cuando queráis dibujar con alguna luz de ambiente para sacar algo más que el dibujo en si, puede pasar que aparezcáis en la exposición de forma fantasmagórica, si no es esto lo que queréis, la solución es fácil Si es posible moveos rápidamente mientras manejáis la linterna o lo que sea, además también podéis salir del marco de la foto antes de que termine la exposición, así la cámara seguirá recibiendo “la foto” sin vosotros y os borrará. Esto sucede porque la luz que emite el objeto permanece mucho más tiempo que la luz que reflejáis vosotros.



Aquí sale mi amiga Marta que se quedó ensimismada pintando florecitas....








No sólo podéis dibujar, claro, también podéis escribir, en realidad cualquier cosa que seáis capaces de hacer con una luz en la mano. Otra opción que pensé y que no he llevado a cabo aún, es con un puntero laser dibujar sobre lo que sea, si el laser es potente no habrá problema, pero si no, dibujad sobre algo blanco o claro para que lo refleje mejor, además así evitamos el salir en la foto. Si alguien me copia la idea y lo prueba, al menos que me enseñe los resultados, gracias :)

Ahora como siempre os dejo mis ejemplos:









sábado, 27 de octubre de 2012

Desenfoque de zoom y desenfoque radial.

Siguiendo con la línea del blog traigo más magia, magia que conseguimos también gracias a la velocidad del obturador.



Os presento dos técnicas muy fáciles en la teoría y un poco más complejas a la hora de la práctica con las que obtenemos unos resultados bastante atractivos. Empezaremos por el desenfoque de zoom, consiste en enfocar un punto, el que queremos sacar nítido, poner una velocidad de obturador lenta y a la vez que disparamos mover el anillo del zoom, bien acercando o bien alejando, lo que os sea más cómodo, el resultado será el mismo.




Según mi experiencia no podría daros un rango de velocidades para que probarais, ya que depende de las condiciones de luz que tengáis y de las capacidades o necesidades de vuestro zoom en esas condiciones. Aún así os doy dos velocidades y así podéis partir de un punto para empezar a disparar. En interior sin luz natural, es decir condiciones de luz baja 0''5 y y en exterior 1/10.



¿Qué os puede pasar? Cuanto más sea el tiempo de exposición más efecto conseguiremos ya que más tiempo estamos aumentando el zoom mientras hacemos la captura, pero también os costará más sacar nítido el punto que queremos porque además de nuestro pulso estamos moviendo la cámara al mover el anillo de zoom. También se puede conseguir más efecto con una velocidad no muy baja y moviendo el anillo más rápido, pero nos pasaría más o menos lo mismo debido a que hacemos más fuerza para mover el anillo más rápido y por lo tanto movemos más la cámara. Así que, coged la cámara y salir a disparar y practicar como si no hubiera mañana hasta que controleis el movimiento.

Lo sé lector, yo también me pregunto porque Desigual no me ha contratado ya como fotografo oficial.








El desenfoque radial también lo conseguimos con velocidades del obturador bajas, podéis partir de las mismas que os he dicho para el efecto anterior, pero esta vez tenemos que voltear la cámara mientras se está haciendo la captura. He de confesar que con esta técnica me cansé de disparar antes de conseguir una foto decente y personalmente me gusta más el resultado que da el otro efecto. Aun así dejo un ejemplo mío para que podáis ver el efecto.






Ambos efectos los podemos conseguir mediante programas de edición, con resultados parecidos, incluso me atrevería a decir que pueden ser más atractivos. Lo que si es cierto es que podemos controlar mucho más las zonas que queremos dejar nítidas y las que queremos dar el efecto.

Este fue mi resultado editando con PhotosScape.

domingo, 18 de marzo de 2012

El Barrido.

El barrido o también llamado panoramización es una técnica que usamos para fotografía de acción. Para conseguir el resultado idóneo jugamos con la velocidad del obturador, por eso os cuento sobre ella justo después de la entrada “La velocidad del obturador y su magia”. También os aconsejo que si no sabéis de que va esto de la velocidad del obturador leáis primero la entrada “El abecé de la fotografía”.

El resultado que conseguimos es sacar relativamente nítido cualquier objeto o persona que esté en movimiento, mientras que el fondo queda borroso (barrido), es un efecto bastante atractivo.

¿Cómo? Lo ideal para un barrido es ir en paralelo a la misma velocidad que el objeto, pero como eso es un poco más complicado podemos esperar a que pase cerca de nosotros. Seguimos el movimiento que hace con nuestra cámara, un poco antes de que llegue al punto más paralelo a nosotros, apretamos el disparador hasta la mitad para que enfoque y una vez ha enfocado lo presionamos hasta el fondo y capturamos, siempre sin parar de seguir el movimiento del objeto. Otra opción es enfocar un punto en el suelo por donde va a pasar el objeto, bloquear el enfoque y disparar del todo cuando pase por ese punto, como siempre, sin parar de seguir el movimiento del objeto.

Prueba con velocidades entre 1/30'' y 1/60'', mucha más velocidad congelaría toda la imagen, objeto y fondo. Mucho más bajita nos daría una foto completamente borrosa, aun así, como para cualquier técnica, sal con la cámara y dispara como si no hubiera mañana, como si tuvieras delante un extraterrestre, ¡estamos en la era digital, nos lo podemos permitir! Práctica y aprende de tu propia experiencia.

Os dejo tres resultados míos:



Atención a este hombre:


Te quiero mami, gracias :)

viernes, 9 de marzo de 2012

La velocidad del obturador y su magia.

Acordaros que el concepto de velocidad del obturador se refiere al tiempo que lo tenemos abierto, que lo podríamos comparar con una ventana y que lo explicaba en la entrada “El abecé de la fotografía”.

Se podría decir que esta posibilidad que nos ofrecen las cámaras reflex, es la culpable de que yo me haya enganchado al mundo fotografil y es gracias a ella que he hecho fotos que me dieron la idea principal de este blog. Puedo decir por lo tanto que es nuestro principal aliado para hacer magia con las fotos, para plasmar cosas que nuestros ojos jamás podrían ver a simple vista.

Podemos por ejemplo congelar el rebote de una gota cuando ha caído en una taza de café. La técnica usada es bastante sencilla. Preparamos una taza de café, tiramos gotas y hacemos fotos. Explicación sencillamente brillante ¿eh?.

Vale ahora en serio, aunque tampoco es mucho más complejo. Lo mío fue un espectáculo. Una mano alzada con una ampolla de suero tirando las gotas, en la otra mano el botón disparador de la cámara puesta en el trípode y ya enfocada para que hiciera la foto en el instante justo que yo apretara. Salir sale, pero es mucho más sencillo si tenéis un disparador remoto y alguien que os ayude tirando las gotas, suerte.

La foto la tomé a 1/1000”, f7,1, 87mm y 200 de ISO:





Un día desde el coche me encontré con una vista bastante atractiva de la feria y tuve que volver con la cámara. Un plano medio de la feria, con una velocidad de obturador larga, 5 segundos, apertura de 22 e ISO 100 para una buena nitidez y 200mm de distancia focal dan este resultado:





Siempre me había llamado mucho la atención este efecto cuando lo veía en fotos. Cuando convertimos las luces de los coches en haces de luz. Así que me fui arriba de un puente a disparar. 5”, f22, ISO100 y 200mm:








En está se me planteo un pequeño problema, tenía que usar una velocidad de obturador larga de día (0,6”), lo que me daría demasiada luz, pero la solución fue fácil, diafragma bien cerrado (f29). Con una 100 de ISO, valor que uso siempre que puedo y aconsejo, este fue el resultado:

lunes, 6 de febrero de 2012

La apertura del diafragma y la profundidad de campo.

Más sobre la apertura del diafragma aquí. En esta ocasión nos vamos a centrar un poco más en la profundidad de campo. Este concepto da nombre a la zona nítida de una foto.

Dado el plano mejor enfocado de una fotografía, la suma de las distancias, por delante y por detrás, bien enfocadas es lo que denominamos como profundidad de campo. La distancia de zona bien enfocada que hay por detrás del plano mejor enfocado suele ser mayor que la distancia que hay por delante.


¿Qué influye en que nuestra profundidad de campo sea de mayor o menor tamaño? Pues tres cosas:

1.La apertura del diafragma:

Su relación es inversa, mayor apertura = meno profundidad de campo, y por lo tanto, menor apertura = mayor profundidad de campo. Si lo comparamos con el valor de la apertura de diafragma (numero f) la relación es directa. Mayor numero f = mayor profundidad de campo y al revés.

2.Distancia focal:

Es la distancia que hay desde el sensor hasta la lente del objetivo y se mide en milímetros (mm.). Son esos números que están escritos en uno de los aros de nuestro objetivo y que su rango varía según como sea el objetivo. Mi objetivo es un 18-200mm. Cuándo mi objetivo está cerrado, la lente está 18 milímetros de mi sensor y cuando giro el aro del objetivo y lo abro, el objetivo se alarga. Al llegar al final la lente está a 200mm del sensor. Cuánto mayor es la distancia focal, más cerca vemos el objeto que estamos enfocando.

La relación de la distancia focal con la profundidad de campo es inversamente proporcional. Mayor distancia focal = menor profundidad de campo.

3.Distancia de enfoque:

Es la distancia que hay desde el punto enfocado hasta el sensor, o para ser un poco más claros, desde lo que queremos fotografiar hasta nuestra cámara, vamos, la distancia que hay entre nosotros y el objeto fotografiado. Nuestra cámara nos lo chiva a través del otro aro de nuestro objetivo (el aro de enfoque), esta vez en pies o metros (ft y m).

La relación que hay entre la distancia de enfoque y la profundidad de campo es directamente proporcional. Mayor distancia al objeto enfocado = mayor profundidad de campo.

Pese a que todo esto a primera vista puede parece un inconveniente, podemos usarlo como una herramienta en composición y convertirlo en una ventaja. La profundidad de campo puede ser muy útil para destacar un elemento, al que queremos dar importancia, sobre el resto de la fotografía.




Así podemos destacar la cabeza de un perro muy guapo llamado Patán.

1/40''
f=4,7
47 mm.















1/60''
f=5,0
63 mm.

O podemos encarcelar a una amiga muy guay y aún así reflejar lo bien que se sentía en ese momento.





















1/30''
f= 3,5

También hacer una posible felicitación de navidad destacando una vela sobre lo que se adivina como un árbol de navidad con sus regalos.




Destacar la proa de "Julia" sobre el resto de albuferencs.

1/60''
f=5,0
60 mm.












Cuando aprendí todo esto acabé haciendo esta composición con caquis.















Sin embargo, cuando nos convenga podemos controlar el diafragma y cerrarlo para sacar fotos de paisajes:





El puente de Monteolivete y la torre de Francia.
30''
f=22
18 mm.










Castaño milenario.
6''
f=22
18 mm.

viernes, 3 de febrero de 2012

La sensibilidad ISO y el ruido.

Lo prometido es deuda. Os dije que os iba a contar que pasaba cuando usabas cada una de las tres formas que sirven para controlar la luz con nuestra cámara y así fuerais capaces de saber cual usar en cada momento, o que combinación de estas, o incluso llegar a usar la opción M (manual) de nuestras cámaras, que tanto miedo se le tiene al principio.

Ya sabéis que es la sensibilidad ISO, y si no, lo podéis ver aquí. Lo que quiero ahora es contaros sus inconvenientes. Si usamos valores ISO elevados (400, 800, 1600), aparece en las fotos lo que llamamos como ruido, es como una arenilla. Unos puntos de diferentes colores que no pegan nada con el resto de la foto y la “ensucian”. Siempre se ve más en las zonas oscuras. Para entender bien que causa el ruido tenemos que entender primero como funciona el sensor, cosa que ya expliqué en la entrada anterior.

En física, señal es toda información significativa para construir un mensaje y ruido es cualquier otro dato que acompañe a la señal dificultando su transmisión, almacenamiento y comprensión.

El ruido en fotografía es lo mismo que cuando, hablando de sonido, subimos el volumen a unos altavoces que no están reproduciendo nada, sin embargo se escucha un ruido. Aumentamos la potencia de los altavoces entonces obligamos que se incluya ruido en la emisión y como no hay ninguna señal, sólo escuchamos ese ruido.

Cada uno de los elementos en los que está dividido el sensor tienen una sensibilidad fija, que su valor es el mínimo establecido en la cámara (100, normalmente). Cuando nosotros aumentamos esta sensibilidad, no hacemos más que aumentar la señal eléctrica que emitirá posteriormente, pero no aumentamos la capacidad del elemento en recibir más información, por lo tanto, podría decirse que el elemento envía la información que ha sido capaz de transformar (de luz a electricidad) más la que le obligamos nosotros, que es información aleatoria que no encaja en ningún lugar y se dispersa por nuestra fotografía.

Vamos a poner un ejemplo gráfico para que lo veáis. Más vale una imagen que mil palabras y esto es un blog de fotografía, ¿no? En una fotografía completa tomada con valor ISO 100 y otra con 1600 se nota a simple vista la diferencia de ruido, pero para que veáis como va aumentando he decidido hacer un recorte de cada instantánea tomadas con diferentes valores ISO.


Ahora los recortes con cada una de las diferentes sensibilidades:








La ISO es una de las enormes ventajas de la fotografía digital. Antes, le sensibilidad la tenía el carrete, por lo tanto el fotógrafo estaba obligado a usar la misma sensibilidad para todas las fotos de ese carrete, hoy la podemos cambiar en cada foto.

Pese a esto, usaría la sensibilidad como último recurso para conseguir luz, aunque es cierto que es muy útil cuando las condiciones de luz nos son las mejores y queremos capturar un momento de movimiento rápido, en deporte, la típica foto saltando que se hace todo el mundo ahora, etc.